Febrero, 2017

Safo de Lesbos-Elisabet García Rodríguez

Re-evolución femenina-Rut Alameda y Ferki López

Música Ilustrada-Helena Rodríguez Torres

Entrevista a Olga y Héctor-Ferki López y Rut Alameda

Homenaje a Olga y Héctor-Club de fans de Puebla

Raíces de cine español: valiente sonido-Helena Rodríguez Torres

Cuerpo auto-sintomático-Diana Valero Ruiz

Crítica de Piercing [Ryu Murakami]-Ferki López

Pervivencia-Laura García Romalva

Marinera / Sin título-Jesús Pasadas

SAFO DE LESBOS

”Que se me perdone si hablo de Safo como de una contemporánea mía. En la poesía, como en los sueños, no envejece nadie.”
Odiseas Elitis

Atendiendo a la afirmación de que la calidad de una obra y autor será juzgada por su transcendencia en la historia, se hace casi obligatorio dedicar parte de nuestro tiempo a leer a una de las más eminentes figuras de la poesía griega, de eternidad literaria, de erudición.

Es en el siglo VI a. C cuando surge en la isla griega de Lesbos una de las poetas más ilustres en la poesía de todos los tiempos: Safo, de quien se ha dibujado un perfil impreciso, incentivado por la leyenda y el misterio de su figura, que la ha llevado a ser objeto de censura a lo largo de la historia, pero de la cual, fuera de toda especulación, destaca la belleza y la sensibilidad de su poesía, así como su gran inquietud hacia la pedagogía.

Sus obras ubican a Safo en Mitlene, donde funda la llamada ”Casa de las Musas”, escuela consagrada a la diosa Afrodita que se dedica a la enseñanza del arte de la poesía y las letras, además de danza, música, filosofía, gimnasia, retórica y otros muchos campos. Es aquí donde lleva a cabo una gran labor pedagógica hacia jóvenes féminas a las que transmite como mentora e iniciadora (mýstis) valores de amor a la cultura y la libertad -tan propios de su persona- en uno de los mejores y más conocidos ejemplos de la llamada Padeia (παιδεία), proceso que formaba a los jóvenes en valores cívicos y técnicos, al que pocas mujeres tenían acceso en la antigüedad clásica.

Es este amor a la pedagogía, la didáctica y la instrucción el que lleva a nuestra poeta a tomar contacto con muchachas que posteriormente serían sus discípulas y con las que, fuera del sensacionalismo y la especulación al que este tema se ha visto expuesto, mantiene una relación de amor pedagógico, de filia (φιλία) que en determinados casos culmina en un sentimiento amoroso o erótico expresado con total franqueza en sus obras y que no hace sino asemejarse a la relación de erómenos y erástes tan común entre jóvenes y adultos griegos de la época, lo que nos lleva a entender que Safo busca que las féminas gocen de los mismos patrones culturales, intelectuales y sociales que poseían los hombres.
Mentora y alumnas celebran las nupcias, el placer del amor en pareja, la sexualidad, la belleza, la intelectualidad, y rechazan por completo la maternidad como destino vital y único de la mujer.

Respecto de su obra artística, de un total de diez mil versos que se le atribuyen, tan sólo nos han llegado seiscientos, que reflejan sus sentimientos más íntimos, que cantan a la cotidianidad de la vida y al amor con sus pasiones y ternuras, dejando atrás el verso como arquetipo de un mundo de valores eternos, dioses, leyendas y mitos.

Lamentablemente, son pocos e incompletos los versos que nos han llegado y que, en la mayoría de casos, se recogen en citas textuales de otros autores y obras posteriores, pero, dichosamente, atesoramos un himno entero dedicado a Afrodita y alguna otra oda suelta completa, lo cual nos deja constancia de la magnificencia de su trabajo escrito.

Safo no describe lo que observa alrededor sino lo que ocurre en su interior, fundando así la poesía lírica. Los fragmentos conservados de su obra conformaron una profunda innovación en el género poético de Occidente.
Esta poesía, canalizada a través de odas, epitalamios o cantos nupciales, elegías e himnos, estaba destinada a su acompañamiento con canto, danza e instrumentos, de cuyas composiciones también se encargaba la propia poeta.

Escritas en dialecto eólico, sus ”hijas inmortales” -como ella denominaba a sus poemas- se caracterizan por una destacada sencillez expresiva, sonoridad, sensibilidad, intimismo y descomunal calidad técnica que combina formas tradicionales de la lírica griega con la invención de la llamada ”estrofa sáfica”, compuesta de una estrofa mixta completada por tres versos endecasílabos sáficos y un cuarto pentasílabo adónico con acento en la primera sílaba; fue posteriormente empleada por Alceo, Cátulo, Teócrito, Unamuno y otros insignes escritores, a pesar de que en las traducciones de su obra se excluyen los elementos formales y efectos poéticos del texto original.

Su sutileza al hablar de Eros, su lengua depurada y su habilidad para tratar las pasiones humanas la convierten en la poeta precursora del género lírico, pionera en la expresión abierta de amor hacia la mujer además de fuerza motriz de reflexiones hasta entonces nunca formuladas.

”La figura de Safo, los versos de Safo rompen diversos paradigmas de la civilización occidental (…) Es mujer, pero también aristócrata, es griega, pero griega que mira hacia Asia, es poeta que escribe como filósofa antes de la filosofía, y escritora que habla de una sexualidad que no puede identificarse ni con la visión de Foucault de la sexualidad griega ni con las versiones de la sexualidad lesbiana contemporánea.”

(W. Edward Burghardt Du Bois)

Los poemas de Cleis, que adquiere el nombre artístico de Safo (Σαπφώ), ofrecen una visión no sólo femenina, sino también real e introspectiva de la vida griega en contraposición con la dominante óptica masculina basada en la poesía épica, heroica, política, y en gestas militares, lo cual despierta gran admiración y veneración entre filósofos y escritores clásicos a la altura de Platón -que la considera ”La décima musa”-, Ovídio, Sócrates, Dioniso de Halicarnaso o su contemporáneo Alceo, su compañero eterno.

“Sólo es hermoso el hermoso cuando alguien lo mira,
mas si también bueno es, lo será de por vida”
(Safo)

Sus versos proclaman lo moral como una ética íntima e innata en el ser, omitiendo la moralidad como costumbre religiosa, política, social o cultural, lo que lleva a Safo a ser profundamente rechazada a posteriori por la tradición judeo-cristiana, que la define como mujer impura y a la que atribuye versos lascivos y pecaminosos.
Sin embargo, en la actualidad Safo es considerada una de las poetas más excelentes de la poesía universal, ejerciendo una colosal influencia en autores como Petrarca, Byron o Rilke, y siendo insigne entre autoras femeninas como Virginia Woolf o Marguerite Yourcenar.

Podríamos continuar tratando temas como sus conflictos políticos con Pítaco, sus relaciones bisexuales, sus orígenes aristocráticos o el uso de la isla de Lesbos y la poesía safista como origen del término ”lesbiana”, pero sólo serviría para restar relieve a su gran actividad artística y didáctica y relatar temas biográficos que la historia se ha encargado de empañar, por lo que tratemos de buscar a Safo en la profundidad de sus versos; sólo ahí descifraremos los misterios que su noble figura aún hoy esconde:

La luna luminosa
huyó con las Pleyadas;
la noche silenciosa
ya llega a la mitad.
La hora pasó, y, en vela,
sola en mi lecho, en tanto,
suelto la rienda al llanto
sin esperar piedad.
(Traducción de Joseph y Bernabé Canga-Argüelles)

Elisabet García Rodríguez.

RE-EVOLUCIÓN FEMENINA 

Re-Evolución femenina. Ana Cascales, Sebas Trujillo y Raquel Riba Rossy (junto a su Lola Vendetta) tienen un plan, un plan de salvamento, redescubrimiento y empoderamiento de la mujer. Nos acercamos a su inmenso conocimiento. Desentrañamos, levemente, esta hermosa iniciativa. Nos hace de portavoz nuestra admirada Raquel.

¿Cómo surge la idea del taller?

El taller surge cuando nos conocimos los tres: Raquel, Ana y Sebas. Vimos que Lola Vendetta conseguía mover masas con su actitud beligerante contra el machismo y su katana, y nos dijimos: “Si un personaje con tanta rabia como Lola Vendetta consigue movilizar tantas mujeres, es que hay muchas mujeres muy mal heridas por el mundo, consecuencia de este patriarcado que poco a poco va menguando”. Y pensamos que era el momento de hacer el salto. Saltar del cómic a nuestra realidad, donde nadie puede defenderse con un arma, si no con el propio crecimiento personal.

Ana y Sebas tienen conocimiento y amor por repartir a toneladas, y empezamos a crear un espacio donde, durante dos días, las mujeres pudieran volver a empezar. Donde se pudiera re-evolucionar.

¿Qué se espera de la mezcla Ana Cascales-Raquel Riba Rossy-Sebas Trujillo?

Es un conjunto de personalidades y recorridos muy distintos con un objetivo y visión común: el de ayudar a crear nuevas personas, que formen nuevas empresas, nuevas familias, nuevas dinámicas sociales. De ninguna otra manera podemos esperar una mejora para el mundo, si no es de dentro (de lo más profundo) a fuera.

¿Qué incidencia tendrá el personaje de Lola Vendetta en el transcurso del taller?

Lola Vendetta conecta con el dolor, la indignación y la rabia contenida de muchas mujeres, sentimientos que son tremendamente coherentes con el cambio de paradigma que estamos viviendo. Estamos en medio de la eclosión del femenino. Lola ayuda a sacar a la luz esos sentimientos que le ponen voz a generaciones de mujeres aprisionadas en un rol que las lastimaba más que ayudarlas a empoderarse.

Ella estará en la imagen gráfica. Ella es la compañera de vida de muchas de ellas, en la paradójica intimidad que cada una tiene con las redes sociales. Esa ventana al mundo y a la reflexión.

¿Es un taller extensible a hombres?

Hemos creado un espacio donde sólo hay acceso para mujeres (exceptuando la presencia de Sebas, el terapeuta) para así trabajar aspectos más íntimos y profundizar en sus historias. Se ha intentado en múltiples ocasiones mezclar hombres y mujeres en un taller donde se habla de temas de género, pero en comunión se ha visto que nos cuesta desvincularnos de la necesidad inconsciente del hombre a dar soluciones, opiniones y salvar vidas, y de la mujer de claudicar, someterse y delegar sus decisiones.

Por supuesto que es  extensible. Exceptuando las partes del taller enfocadas a que las mujeres conozcan, reconozcan y se reconcilien con su cuerpo (que en caso de crear una ReEvolución Masculina deberíamos sencillamente cambiar el enfoque) el resto del taller sirve tanto para hombres como para mujeres. Nuestra intención es abrir esa opción más adelante. Tanto hombres como mujeres, como transgénero, debemos buscar la manera de coordinarnos y funcionar sin oprimir, ni someter, ni sobrecargar.

¿Qué tabúes se pretenden liquidar con su realización?

Detrás de los tabúes muchas veces encontramos prejuicios, heridas y herencias culturales que van arraigadas en lo más profundo de nuestro inconsciente. Cada cual tiene su propia historia y su propia herencia transgeneracional.

Se trata de un trabajo más profundo que el de meramente romper un tabú. Los tabúes inevitablemente pierden importancia cuando cada cual se redescubre. Se trata de abrir la puerta a la posibilidad de hacer de todo lo que posees una nueva manera de entenderse a una misma, de entender al cuerpo, de entender las relaciones humanas, de entender las propias emociones… Se trata de dar el primer gran paso hacia tener presencia en nuestras propias vidas, de soltar cargas familiares, de abrir percepciones y perdonar todo lo que nos ha hecho taño.

Decidnos tres ejemplos de “mujeres empoderadas”.

Existen infinidad de mujeres que podría nombrar, que sirven de ejemplo de mujer empoderada. Gracias a Dios, muchas mujeres han roto el hielo de las limitaciones de género, para ser hoy ejemplo para millones de personas alrededor del mundo. Entendemos el término “empoderamiento” como la suma de una alta autoestima a nivel físico, sexual, profesional/laboral y también un autoconcepto positivo y sano. Hay muchas mujeres empoderadas en uno de estos ámbitos, y muy cojas en el resto de áreas. ReEvolución Femenina trabaja todos estos niveles de la mujer.

Su nombre era Caterina Albert i Paradís (1869-1966), que para poder publicar sus libros cambió su nombre por el de Victor Català, quien ganó un premio de literatura que recogió su hijo de cuatro años. Imaginaros la cara de los miembros del jurado cuando lo vieron.

Meryl Streep no deja de impresionarme por su sencillez y su absoluta humildad haciendo el maravilloso trabajo que hace.

Ellen Degeneres, presentadora de su propio programa The Ellen Degeneres Show. Ellwn detectó que muchas veces el humor es otra forma de bullying, así que decidió funcionar desde el humor que no hace daño. El humor que no se ríe de nadie, sino con todo el mundo. Un ejemplo de pareja, de empresaria, de mujer, de madre de miles, de alegría para todos. Es un ejemplo de fuerza inconmensurable.

Los mismos respetos me los merece Oprah Winfrey, quien no ha cesado de trabajar desde que empezó. Modelo de mujeres trabajadas y trabajadoras, con unos principios de vida muy saludables para mujeres y hombres alrededor del mundo.

¿Creéis que este tipo de eventos tienen la difusión suficiente desde el ámbito institucional? ¿Estáis satisfechos con su implicación?

No tenemos la menor duda de que si no la hay ahora, se abrirán posibilidades en un futuro, o ayudaremos a crearlas. Roma no se construyó en un día.

¿Pensáis que sigue fallando la educación ligada a la figura de la mujer? Si es así, ¿en qué?

Seguimos sin escuchar lo suficiente, creyendo que lo que ya hemos aprendido es ley para todos. Y cada uno de nosotros vamos con esa creencia, luchando por tener el premio de la razón.

No me gusta pensar que “sigue fallando”, porque eso es atarse en el pasado y quejarse, y de algo nos tenemos que liberar es de la queja. La queja es una pereza.

En todo caso, “hay cosas por mejorar”. Bien, ¿qué hay que mejorar?

A nivel de educación infantil, creo que son importantes varias cosas. En primer lugar es importante dejar de gritar a los niños como si fueran ganado sin cerebro ni criterio. Educar desde el grito es educar desde el shock, es educar desde el susto, es educar desde el miedo. Por lo contrario, es importante educar desde el afecto, desde la explicación, desde el razonamiento, el contacto físico positivo. Para ello, los primeros que tienen el trabajo son esos adultos y adultas. Aprendamos a educar desde la dulzura y el humor, no desde el shock. Eso hará que tanto hombres como mujeres entiendan que las caricias positivas hacen más agradable la convivencia.

En segundo lugar, parece que hemos entendido que el castigo es lo que hace que un ser humano reaccione, cuando en realidad, lo que se consigue con el castigo es que el niño entienda que si alguien hace algo que a él no le gusta, castigarlo es la solución.

¿Cuál es el ingrediente necesario para todo esto? Tiempo y presencia. Es decir, estoy aquí contigo explicándote la belleza de la vida y lo bello que puedes ser si la contemplas. No estoy aquí explicándote lo horrible que puede ser el mundo y lo mal que te has portado. Los pequeños construyen visiones del mundo desde el prisma que nosotros les enseñamos.

¿Qué proyectos tenéis aparte del taller de Madrid y después de él?

Estaremos en Málaga el 25 y 26 de febrero, y en Barcelona el 25 y 26 de marzo, y así queremos ir pasando por tantas ciudades donde nos acojan.

MÚSICA ILUSTRADA

La música es algo que se ha vuelto imprescindible en nuestras vidas”

Jorge Gordo une música con ilustraciones y láminas que funcionan.

En Altavoz Cultural encontrarás las claves de su éxito.

Entrevista de Helena Rodríguez Torres ( @helenrdgztorres )

Jorge Gordo, así se llama el diseñador gráfico que se está colando en los backstage de los cantautores españoles. Es lo que se llama un oyente todoterreno; va a los conciertos, hace unas fotos espectaculares, entrevistas,… pero, sobre todo, ha creado un proyecto que, sin hacer música, la enaltece: Música Ilustrada.

En su web ( músicailustrada.es ) se puede encontrar desde unas preciosas láminas que le llevaron al punto de mira hasta crónicas de los festivales más importantes de nuestro país. Una idea fresca, atractiva y con muchos acordes a sus espaldas. Porque como él dice: “la música se ve y te lo voy a mostrar”.

¿Cómo nace música ilustrada?

La verdad es que nace casi sin quererlo. Estaba en el trabajo, Hadock Comunicación, una agencia en la que yo trabaja por aquel entonces. En un momento dado nos pidieron hacer varias creatividades. Después de estar trabajando varias ideas, decidí dibujar a Quique González, que lo estaba escuchando justo en ese momento. El dibujo quedó gracioso y decidí subirlo a mis redes sociales.

La verdad es que gustó. Pero fue un par de días más adelante cuando decidí hacer un perfil en Instagram ( https://www.instagram.com/musica_ilustrada/ ) para subir solo los dibujos que fuera haciendo. Así nació Música Ilustrada.

¿Cuál es el objetivo de este proyecto?

Para mí es compartir música, canciones, grupos… Darlos a conocer, trabajar con ellos, conocer grupos nuevos, contar a la gente todo lo que no se ve, el trabajo que hay detrás de un disco, un concierto y una trayectoria.

Lo he ido descubriendo poco a poco. No era algo que tuviera en la cabeza hacer, sino más bien todo lo contrario. Creo que Música Ilustrada también ha crecido porque la gente así lo ha querido. Yo lo veo como una forma de compartir música y a la vez de descubrir nuevos grupos y todo lo que rodea a este mundo. Me gusta verlo así.

Música Ilustrada combina a la perfección música y fotografía,… ¿Crees qué la música puede abarcar varias artes en torno a sí misma?

La verdad es que me encanta ir con la cámara a los conciertos y hacer retratos de los artistas. Tampoco me considero fotógrafo de profesión, es más, el equipo que llevo conmigo es bastante amateur, pero me es suficiente para poder manejarme en los festivales o salas.

Al final lo que importa es tener un buen ojo para transmitir lo que uno quiere. En cuanto a la pregunta, pienso que sí, lo ha hecho siempre, pero quizá de manera indirecta.

Sin ir más lejos, tenemos a Dylan como premio Nobel de Literatura. Yo suelo decir que la música también se ve, seguramente no soy el primero que lo dice, pero es así. Pienso que el arte y la música se alimentan entre sí. Van unidas de la mano y más ahora que vivimos en un mundo en el que todo nos entra por los ojos.

La comunicación ha cambiado mucho en los últimos diez años y en la música también ha tenido su efecto. Por ejemplo, yo soy muy de fijarme en las portadas de los discos y si me atrae, lo escucho. Me ha pasado siempre, supongo que no es justo, pero me pasa. Por eso pienso que, a día de hoy, música y arte tienen que ir juntas, y cuando trabajas en un disco o proyecto es muy importante que ambas apunten a la misma dirección.

Hablemos de música

¿Crees que hay en España una buena cultura musical?

Pienso que sí, pero entre paréntesis. Me explico. En el ámbito en el que yo me muevo puedo decirte que la cultura es realmente rica, pero no es lo normal.

Si entrases en un bar y preguntaras a la gente por Joaquín Sabina, obviamente te dirán que lo conocen, sin embargo si preguntases por Full, Mucho o Sidecars, probablemente la gente no sepa de quién les estás hablando. Y es una pena. Tengo la sensación, por lo general, que nos cuesta mucho salir de nuestra zona de confort musical y le damos pocas oportunidades a grupos emergentes  o cantautores.

Hay grandes artistas con mucho talento partiéndose el pecho por poder grabar un disco o ir de gira y poder llevar su música a otras ciudades. Pero por lo general la gente solo conoce lo que suena en la radio más comercial.

Por otro lado me da mucha rabia ver lo que escuchan los adolescentes de ahora (la mayoría). Rascas y no hay nada más que sexo, drogas y alcohol. Necesitamos más radios como Radio3 o ALT que apoyen la música de autor, gente que realmente ama la profesión de ser músico y dan la cara cada día por poder dedicarse a esto.

Hay muchos artistas que comienzan a editar su música con proyectos de crowdfunding, ¿crees que en España la gente participa y se involucra a la hora de financiar proyectos?

Me alegra que me hagas esta pregunta. Antes comentábamos que quizá la cultura musical no era la más extensa, pero los que estamos cerca de esto nos involucramos mucho. He tenido la suerte de colaborar con varios artistas en sus proyectos de crowdfunding y he visto como la gente se ha involucrado ciegamente en ellos. Es muy jodido sacar un proyecto como puede ser un disco. Pero estamos hablando de que la gente deposite su dinero en algo que no sabe cómo va a sonar. Esto es muy fuerte.

¿Cuál ha sido la mejor reflexión que has escuchado acerca de la música?

Me siento muy identificado con aquella frase de John Lennon: “Cada persona es el reflejo de lo que escucha”. Creo totalmente en esto. Pienso que podría decirte cómo eres con solo ver la música que llevas en el móvil ahora mismo.

¿La mejor ventaja, según tu opinión, que aporta la música, tanto individual como colectivamente?

Un montón. Individualmente pienso que la música nos hace sacar esas cosas que de otra manera quizá seríamos incapaces de contar. A muchos artistas les pasa esto y la mejor forma que tienen para contarlas es haciendo canciones. Eso es una pasada. Por eso a mí me gusta tanto este estilo, porque son historias humanas, historias que probablemente yo también he vivido o experimentado.

Yo por ejemplo soy incapaz de trabajar sin música. Me ayuda mucho a definir ideas, conceptos. La música es algo que se ha vuelto imprescindible en nuestras vidas. No pasa un día en el que no escuches nada de música. Es imposible.

Y colectivamente hablando, tiene la fuerza descomunal de poder unir a personas que no se conocen de nada. Te descubre gente nueva y experiencias únicas, te lleva a conocer otras culturas, otras ciudades, otros estilos de vida… La música nos enriquece en todos los ámbitos.

¿Cuáles son para ti los festivales más importantes de España?

BBK Live, Sonorama Ribera, Primavera Sound, Mad Cool, FiB y Low Festival. Pero en España tenemos una lista muy larga de grandes festivales y muy variopintos. Es verdad que se habla mucho del famoso tren indie que pasa por todas las ciudades de España y quizá sí se está perdiendo esa exclusividad. Pero también hay que entender que no todos los festivales pueden cerrar a ciertos artistas.

No creo que el problema resida en que haya muchos artistas que repitan en muchos festivales, más bien pienso que eso está en nuestras manos. Quiero decir: si yo voy al Festival de Les Arts en Valencia y sé que dos meses después, en Granada Sound, me voy a encontrar a la mitad de cartel, pues ya me planteo si voy o no.

¿Cuáles son tus grupos imprescindibles?

Puedo empezar a nombrarte artistas y no acabar nunca. Vetusta Morla, Xoel López, Love of Lesbian, Iván Ferreiro, Zahara, Izal, Leiva, Sidecars, Supersubmarina, Quique González, La M.O.D.A, Sidonie, Russian Red, Anni B Sweet, Jero Romero, está Dorian también.

¿Tu mejor descubrimiento?

Jacobo Serra, Fabian, Morgan, Esther Zecco, Amaro Ferreiro, Luis Brea, Full, Taburete; tengo varios.

Te has centrado en los grupos más independientes o en cantautores. ¿Contemplas la opción de extenderte hacia otro tipo de música? Jazz,…

Me han preguntado esto varias veces. En cuanto a ilustraciones no tengo ningún problema. Principalmente me centro en lo que me gusta, música más “indie” o de cantautor, pero no me cierro por ejemplo al Jazz, soy fan, es un estilo que no controlo, pero me gusta mucho. Por ejemplo, el reggaetón la verdad es que no me inspira nada. Tampoco lo controlo así que no me veo escribiendo sobre el tema o haciendo ilustraciones.

ENTREVISTA OLGA Y HÉCTOR

Viola y guitarra. 28 es el número, en España y en México. Son Olga y Héctor, estupendos representantes del pop allá por donde pisen. Les pedimos un momento de música para nuestros oídos: su tiempo y sus palabras. Los extrañamos por Madrid.

Entrevista de Ferki López y Rut Alameda

Música

¿Cómo surge la música de Olga y Héctor? ¿Cómo la definiríais?

Surge a raíz del trabajo, veníamos de tener una banda de rock y llegó un momento en que decidimos dar el salto al dúo, y a partir de ahí fuimos desarrollando un nuevo sonido incluyendo la viola en la formación junto con la guitarra de Héctor.

¿Quién de los dos es más visitado por las musas?

Suele llegarnos a la vez, nos sentamos y componemos juntos, dependiendo del momento varía, por suerte nunca nos falta la inspiración a los dos a la vez.

¿Cómo ha sido para vosotros salir de España y ser tan bien acogidos en México?

Ha sido una renovación personal y profesional, salir de la zona de confort y lanzarte al vacío es muy excitante y a la vez ver que el resultado es positivo hace que quieras más.

Estamos muy felices con nuestra experiencia en México.

¿Se vive diferente la música allí que aquí, en España?

Totalmente. En México hay pasión por la música en directo, la gente invierte en conciertos, viajan a otros estados para ir a ver a su ídolo, y hacen cosas que ni nosotros mismos nos imaginaríamos con tal de estar cinco segundos con su cantante favorito.

Además, en México ves música en cada calle, en cada puesto de comida, en los colegios, es increíble cómo puedes ir por cualquier calle de tu barrio y aparece un trompetista tocando alegremente.

¿Dónde os veis dentro de cinco años?

Compartiendo lo que sabemos hacer con todo el mundo, llevando nuestra música a todos los rincones del planeta, creciendo como músicos y como personas.

¿Qué nuevos proyectos inminentes y a largo plazo tenéis?

Próximamente, el 31 de Marzo, daremos un concierto muy especial en el Coliseo de Villaviciosa de Odón, donde tocaremos nuestras canciones en un formato diferente, con cuarteto de cuerda, piano, percusión y guitarras, y la escenografía a cargo de Paula Sifora. Es un proyecto en el que llevamos trabajando dos años y por fin se va a poder hacer realidad.

A largo plazo, grabar nuestro segundo disco y, a ser posible, seguir ampliando fronteras.

Olga y Héctor, Héctor y Olga

Olga y el rap, Héctor y Batman. Necesitamos datos.

Olga y el rap… Pues empecé de casualidad, un chico me pasó una cinta de cassette con canciones de Violadores del Verso y me gustó, poco a poco fui conociendo a más gente del mundo del rap, y junto con Drisket grabé mis dos maquetas como La prinzesa de la Urbe, hice colaboraciones con raperos como Jordan Donaire o Javo y… pasé página.

Héctor y Batman. Mi afición por los cómics viene de niño, son muchos los superhéroes que me gustan, pero Batman es para mí el más auténtico, aparte de que pocos saben que Batman es un detective y comparte esa parte de resolver acertijos y puzles.

¿Cómo conocisteis a Paula Sifora? Contadnos cómo habéis colaborado en ambas direcciones.

A Paula la conocimos a través de un amigo malagueño, nos gustó su trabajo y decidimos contar con ella para el diseño del logo y el arte de nuestro primer EP,     28.

Así mismo Paula contó con nosotros para hacer el jingle de su canal de Youtube.

Aparte de la gran amistad que nos une con ella.

¿Cómo empezó este viaje? ¿Cómo os conocisteis y decidisteis tener un futuro musical juntos?

Pues como os hemos contado arriba, empezamos a trabajar juntos en una agrupación musical anterior y de ahí evolucionamos al dúo, porque vimos que nuestra forma de ver la música compaginaba perfectamente y que hacíamos (y hacemos) un gran equipo.

¿Habéis trabajado por separado? ¿Os lo imagináis / volveríais a hacerlo?

Si, hemos trabajado por separado, haciendo otras colaboraciones independientes, pero sin perder de vista el proyecto común que tenemos.

Y sin problema podríamos volver a hacerlo, siempre como crecimiento personal.

Juguemos:

-Héctor, una época histórica: La Edad Media

-Olga, un personaje de ficción: La Sirenita

-Héctor, un vicio: videojuegos

-Olga, una manía: poner música al despertarme.

-Héctor, una serie de dibujos del pequeño Héctor:  Buffy Cazavampiros (que nunca he conseguido ver entera)

y una serie actual del Héctor grande: Juego de Tronos

-Olga, un deporte: la natación

Olga, en viveLibro hay una colección de poesía que lleva tu nombre. También un certamen. ¿Qué está pasando, Olga?

Pues que me quieren demasiado jajajaja.

La verdad es que fue una auténtica sorpresa para mí, nunca te imaginas que van a poner tu nombre a una colección de poesía, y es un orgullo y una responsabilidad para mí, yo estoy enormemente agradecida a Ferky porque (según sus palabras) es su forma de hacerme inmortal, y creo que no tengo nada más que añadir (porque tampoco me salen las palabras)

Héctor,  ¿una buena paella o unos tacos bien picantes? Una buena paella sin duda.

Y otra cosa: ¿por qué ligas tanto? Yo no considero que ligue, simplemente es el cariño que me tienen las chicas del club de fans por la parte musical.

México

Pregunta tan típica como necesaria: ¿creéis que es cierto eso de que nadie es profeta en su tierra?

No creemos que sea así,  creemos que es una cuestión de tiempo, tarde o temprano si haces un buen trabajo el reconocimiento llega solo.

¿Cómo se reciben todas las noticias de España estando tan lejos?, ¿hay menos impacto o se siguen bien? ¿Estar en México os permite también desconectar de ese ruido o es un ruido bonito?

Nosotros siempre estamos pendientes de España, porque a fin de cuentas es nuestro hogar, y nos informan de las cosas que pasan allá, no nos gusta desconectar del lugar del que venimos, y estando en la era de la comunicación, es más fácil estar al día.

Gustos mexicanos: decidnos vuestra comida, vuestra palabra, vuestro cantante y vuestra prenda favoritos desde que aterrizasteis en México por primera vez hasta hoy.

Olga

Comida favorita: chiles en nogada (es como un pimiento verde relleno que está tan bueno que te quieres morir)

Palabra favorita: popote (lo que viene siendo una pajita de beber)

Cantante favorito: uffff hago mi top tres: Natalia Lafourcade, Mon Laferte, Jesse y Joy.

Prenda favorita: cualquier ropa bordada a mano de Oaxaca, me fascina por su colorido y su tradición.

Héctor

Comida: arrachera

Palabra: papalotl (significa hermoso en nauhatl)

Cantante: Jesse  y Joy, Juan Solo y Jenny and the Mexicats.

Prenda favorita: no he usado nada mexicano, pero ahora digo playeras en vez de camisetas jajaja.

¿Con qué momento de vuestra estancia os quedaréis para recordarlo dentro de cincuenta años, rodeados de vuestros nietos?

A día de hoy nos quedamos con el día que abrimos el concierto de Jesse y Joy en Puebla delante de 30.000 personas. Es una experiencia que no se puede describir con palabras.

Club de fans oficial de Olga y Héctor en Puebla. Suena bien, ¿no?

Suena genial, increíblemente genial, lo son todo para nosotros, desde que llegamos a México y descubrimos el fenómeno fan tan maravilloso que hay aquí, nos quedamos enamorados, siempre están super pendientes de nosotros, nos cuidan, nos miman, nos alegran los días.

Estaremos eternamente agradecidos con ellos.

CLUB DE FANS DE OLGA Y HÉCTOR PUEBLA

HOMENAJE AL DÚO

Que si dicen que AMOR se escribe como suena, a nosotros nos suena a una maravillosa viola, una poderosa guitarra, una espectacular voz, unos increíbles coros y letras que llevan todo el corazón.

Así es como surgen los clubs de fans “Olga y Héctor Puebla” y  “Olga y Héctor Forever”; ellos pusieron la magia a través de su música y nosotros la complicidad, el apoyo y todo el cariño.

Conocí a Olga y Héctor un 2 de Mayo en la Feria de Puebla, abrieron el concierto para Julieta Venegas y desde el primer segundo en que los escuché tocar en vivo quedé enamorada.

Días antes había platicado brevemente con Olga por redes sociales tras su llegada a México y sabía que eran dos personitas muy talentosas, llenas de sueños y muy amables, pero cuando los conocí, pude escuchar su voz, abrazarlos, reír juntos, tomarnos una foto y darme cuenta de que no son ese “artista inalcanzable” que sólo puedes ver de lejos, sino dos seres humanos únicos y maravillosos que se esfuerzan día a día por cumplir todos sus sueños haciendo lo que más aman. Quedé encantada, como si fuera el conocido “amor a primera vista”.

En esa noche, surgió un comentario de “y aún no tenemos club de fans”. Haciendo mucho ruido en mi mente y sin nada que pensar y todo que dar, el 5 de Mayo de 2016 nace el primer club de fans “Olga y Héctor Puebla”, al que rápidamente se sumaron hermosas personitas dispuestas a crear una familia, a planear sorpresas, a compartir su música, a pedirlos en radio, a ver y escuchar cada una de sus entrevistas, seguirles la pista en todas las redes sociales y asistir a cuanto concierto fuera posible, todo por hacer de su música el soundtrack de nuestra vida.

Posterior a ello, tres meses después y tomando en cuenta el nombre de su primer disco “28”, justo el 28 de Agosto de 2016, “Olga y Héctor Forever” se vuelve una realidad, nace el primer club de fans para todos, sin importar en donde te encuentres y con la finalidad de recibir a aquellas personas que quieran formar parte de la #FamiliaOyH, mientras que en su ciudad más personas conocen de su gran talento y se abre un club propio.

Cada persona dentro de la #FamiliaOyH tenemos un lugar muy especial, todos y cada uno de nosotros conocemos a Olga y Héctor, los hemos abrazado, hemos reído, hemos pasado momentos agradables y de convivencia, recordamos nuestros cumpleaños, planeamos y compartimos, tenemos complicidad y, sobre todas las cosas, adoptamos sus sueños para convertirlos en nuestros. Por ello es que sabemos que más que un club, somos una familia, que nuestro apoyo es incondicional y que nuestro cariño es para siempre. Lo más bonito, es que surge de nosotros hacia ellos, como de ellos a nosotros.

Sus canciones y su cariño son la pila de cada uno de nuestros días y, sin duda alguna, somos los más felices de tenerlos en nuestras vidas.

Estoy segura que para nosotros y para ellos no se trata de una simple relación “artista-fan”, sino de un vínculo completamente real con los más honestos e increíbles sentimientos.

Nosotros creemos en Olga y Héctor, sabemos que apenas es el inicio de toda una vida de música y sueños cumplidos, y siempre como partícipes de ello y no sólo como espectadores.

Amamos a la guapa Olga porque siempre tiene esa chispa de alegría en el rostro, esa sonrisa encantadora y esos ojos de ensueño que todo pueden conseguir, por ser ejemplo de una mujer valiente y que no se rinde nunca, por esa voz que acelera los latidos y en conjunto con su magnífica viola la hacen simplemente única.

Amamos a nuestro gran superhéroe Héctor porque con él todos los temas de conversación se vuelven interesantes y divertidos, porque abraza como nadie y es nuestro galán de galanes, por demostrar que los hombres y grandes amigos aún existen, además de tener esa voz ronca y perfecta para los coros que con su poderosa guitarra te roban el aliento.

Amamos a Olga y Héctor por crear canciones desde el corazón, por dejarse fluir en el escenario sea cual sea y por compartir todo su talento, dedicación y amor.

Gracias por tanto. Somos para siempre.

Fernanda Cadena

RAÍCES DE CINE ESPAÑOL: VALIENTE SONIDO

            Hablemos de cine. Del de antes, de ese séptimo arte primitivo que aún no sabía que llegaría a algo tan grande como para unir no solo continentes, sino generaciones.

Hasta llegar a la II República Española, el cine en España era casi inexistente. Para situarnos, la historia del cine español se puede dividir en cuatro períodos: el cine mudo (1897-1930), el cine sonoro (1931-1959), el cine de la época moderna (1960-1975) y el cine contemporáneo (desde 1976 hasta nuestros días).

Uno de los cines más inspiradores fue el de vanguardia, una modalidad que aparece a principios de los años 20, inmediatamente después de acabar la I Guerra Mundial. Este cine forma parte del movimiento que emergió en las distintas artes plásticas, como el Surrealismo, como respuesta y contraposición al cine institucionalizado: el cine como arte en sí mismo, toda una revolución para la época.

Así, el cine vanguardista es aquel que no depende de lo económico o de pautas comerciales, considerado un medio de expresión que debía ser independiente de estos criterios. Un arte concebido al margen de la industria, un arte libre.

Una de las representaciones cinematográficas españolas en el arte de vanguardia más emblemática es el conocido film Un Perro Andaluz (1929), de Luis Buñuel, realizado junto a Salvador Dalí. De ese mismo año destacamos Sexto Sentido, de Nemesio Sobrevilla, además de películas como Esencia de Verbena, de Ernesto Jiménez Caballero, y otro film de Buñuel: Edad de Oro (1930).

En cuanto al documental, os sonará Las Hurdes, que marcó un antes y un después en el cine español. Se convirtió en un documental militante, ya que generó malestar en figuras como Gregorio Marañón y, más tarde, fue censurada por injuriar a España.

Por último, en lo que al corto se refiere, Cinco minutos de españolada (1936), en el que participaron el director Rafael Gil, Gonzalo Menéndez Pidal, Cecilio Paniagua o José Val de Omar, entre otros. Este es uno de los cortos más experimentales propios del cine de vanguardia español.

Pero indaguemos sobre la implantación del cine sonoro en España. Ahora nos resulta obvio que en la gran pantalla se escuchen diálogos, un sonido ambiente,… pero cuando esto comenzó, a la gente le asustó. Decían que el cine tenía que ser mudo, que si se quería escuchar a los personajes se iría directamente al teatro, ignorando las grandes salas de proyecciones.  El cine sonoro español se enfrentaba a un público y a unos directores escépticos al nuevo fenómeno. Al principio no se concebía que los personajes pudieran hablar por sí mismos. El cine mudo estaba tan instaurado y enraizado que se veía (como todos los avances tecnológicos) con recelo e inquietud. El cine sonoro se mostraba como un enemigo por el miedo a lo desconocido y a las consecuencias que pudiera conllevar. Se convirtió en un trabajo de valientes.

A ese miedo a la nueva tecnología aplicada al cine se suma otro problema: el de la carencia de medios en España. El desarrollo del cine sonoro español se retrasó porque no existían en nuestro país los medios adecuados para desarrollarlo, ni instrumentos, ni estudios preparados. Los empresarios estaban reticentes a invertir en un nuevo producto que no sabían si iba a funcionar. ¿Os suena esto de algo?

Pues bien, esta llegada de lo sonoro coincide con la llegada de la II República, una parte de la historia de España interesante en materia cultural. Gracias a todas las reformas que en esta etapa se sucedieron, el cine logró tener un hueco en la sociedad española, un hueco que poco a poco iba logrando, no sin esfuerzo. Esto se debió principalmente a la nueva cultura del ocio; la gente tenía tiempo libre a causa de la reducción de la jornada laboral a cuarenta y cuatro horas semanales. Esto, junto con una fuerte industrialización y con las primeras productoras nacionales, hará que el cine español comience a despegar. Gracias a ello llegará nuestra 1ª Edad de Oro del Cine.

En este periodo de la historia española, el cine suponía la lucha de clases, un instrumento de difusión ideológica y de propaganda, suponía el comienzo de la toma de conciencia sobre el control del escenario político de la España republicana. Luchar por ideas, algo que está en las venas del cine desde que nació. Sólo nos falta recordarlo.

Helena Rodríguez Torres ( @helenrdgztorres )

CUERPO AUTO-SINTOMÁTICO

En el cine contemporáneo el cuerpo y la identidad son cruciales e inseparables. El cuerpo se ha transformado en el principio básico de la construcción de identidad del individuo y de su existencia. Los motores de vida han pasado a ser las pulsiones inconscientes y los deseos conscientes. Este cuerpo irracional y escindido hace que lo percibamos como un yo diferente, que nos controla desde la irracionalidad. Nos sentimos alienados al percibirnos como otros dentro de nosotros mismos y dependemos tanto del cuerpo como de la propia imagen, que fetichizamos como objeto simbólico. El sentir, basado en la pulsión física e inconsciente, desplaza al sentimiento.

En el cine este sentir se hipervisibiliza, pero también lo hace el no-sentir, la incapacidad de experimentar sentimientos o de manifestarlos, la anhedonia, a través de las relaciones con los otros, con el cuerpo y con el propio sexo. Sexo ya desestigmatizado y que, aun  basado en la explicitud del porno, sirve para poner de manifiesto disfunciones de los sujetos, disfunciones, que no deficiencias, sino síntomas de problemas identitarios profundos que tratan de explorar. Este sexo no es un sexo glorioso, no es un sexo placentero, y no se trata de discutir si lo que los personajes sienten es más o menos perverso, sino del por qué necesitan ese tipo de relaciones sexuales basadas muchas veces en el juego con lo físico y con los límites del dolor y el castigo.

Un ejemplo de esta relación con el cuerpo es Shame de Steve McQueen. El protagonista teme el contacto humano y el exponerse al otro sentimentalmente. Su casa diáfana y las ventanas del hotel en el que practica sexo de forma automática permiten ver sólo de dentro afuera. Es un héroe decadente, un antihéroe dividido entre el bien y mal que basa su existencia en el consumo, en el consumo del sexo y los objetos simbólicos. En Shame encontramos la experimentación con el sexo desde el no-sentir. Se percibe a sí mismo alienado por un pasado familiar traumático soterrado, esto le lleva a consumirse a sí mismo, a su desnudez y a su genitalidad y a consumir a los demás igual que a sus revistas pornográficas. Recuerda a una versión masculina de Nymphonaniac de Lars Von Trier, como última parte de la trilogía de la depresión y la anhedonia. En ella, Joe, busca en el consumo compulsivo de sexo una respuesta, el dolor es su única relación con el sentir, como lo sería la automutilación del personaje principal de Anticristo, del mismo director.

La relación con un sexo no controlado lleva a la necesidad de superar la pérdida de un hijo, que ha muerto mientras ella tiene relaciones sexuales. Otros directores han manifestado también este uso del sexo para llegar a la catarsis personal, como Verhoeven en Elle, a través del personaje de Michèle. Ella no es capaz de sentir a causa de un trauma profundo provocado por su vinculación con los crímenes de su padre psicópata. Cuando experimenta una violación, se mueve entre el placer y el horror, lo vive como un simulacro, como si se tratara del videojuego que construye en el trabajo; investiga sus límites para sentir, pero, a su vez, se reencuentra con su propia identidad en el control de la situación y el asesinato de su violador.  Su reincidencia en la situación de violación es una forma de afirmarse identitariamente.

El cine posmoderno usa el cuerpo como síntoma de problemas y como solución de los mismos. El cuerpo se ha convertido en un discurso y una forma (al modificar las narrativas) que toca tangencialmente películas de toda temática y en el que se manifiestan las carencias identitarias del sujeto, pero también sus obsesiones. El cuerpo se ha establecido como un lugar, un espacio para la exploración, sin necesidad de explicaciones previas.

Diana Valero Ruiz

PIERCING

(Ryu Murakami)

Crítica de Ferki López

            Los demonios del amor. Tres aristas, dos calientes y una fría: Kawashima Masayuki, Chiaki y Yoko. Murakami promete en el primer cuarto de páginas más de lo que da en los tres restantes. Piercing es una mutua limpieza de traumas en lugar de una historia de brutalidad humana. Y, bueno, algunos esperamos lo segundo a veces: prescindir de la paz final.

El punto de no retorno es, desde luego, el plan fallido de Masayuki, que, punzón en mano, desde hace diez noches tiene aflorado su instinto asesino contra su propia bebé de cuatro meses y requiere de otra vía de escape, de otro cuerpo que atravesar. Así conocerá a Chiaki.

Dos caras de una misma moneda psico-social:

Masayuki: maltratado de niño por su madre al recordarle a su padre (que no suponía nada negativo revelado en el flashback que se le dedica) y atormentado por un bofetón merecido a la susodicha y, especialmente, por un escabroso episodio punzón-en-mano con otra mujer. Debe clavar otro punzón para sacar el que asestó el primer golpe. Y he ahí el “problema” de Murakami: el lector quiere que lo haga, quiere ese clímax, lo justifica en el contexto previo y de resolución del malestar del alma del protagonista.

Chiaki: vejada de niña por su padre, desencantada de los hombres y propensa a autolesiones y paseos al borde del suicidio. Prostituta especializada en BDSM. Necesita no-acabar con su vida, resistir y hallar esa paz que solo alcanza con un corte en el muslo y la inconsciencia derivada. Es un personaje perturbador y, en nuestra humilde opinión, más atinado que Masayuki, al que releva paulatinamente del foco de atención: justo en el punto de no retorno se da el sorpasso.

Ambos tienen dos voces, siendo este recurso de autor tan interesante en primera instancia como cargante en ciertos momentos en los que se echa en falta un perfilamiento más redondo de los personajes, a saber: autosuficientes como para no tener que recurrir a ese extra -tal vez ello dé cuenta de la propia carencia existencial de estos y haga salvable dicho recurso-.

Pongámonos en situación para tratar la cuestión del punto de no retorno: Masayuki tiene una plácida vida como diseñador gráfico con su mujer Yoko -personaje flojo, complaciente y soso- y su hija recién nacida, Rie -mero objeto atrayente de foco de acción, inanimado-. En él brota la necesidad de saciar un conflicto interno derivado de dos épocas pasadas: infancia terrible por su madre y juventud libre como consecuencia no afortunada, en la que sucede el primer y único punzonazo a una “amiga” que posteriormente querrá volver a ver obsesivamente en otras mujeres. El origen de su daño / causa de daño se resume en su madre. El clima de calma que rodea el comienzo de la novela es esencial y ciertamente valorable hacia Murakami. No así su desarrollo.

Masayuki tiene un plan: mataré a otra mujer que reemplace a mi hija, a la mujer que no maté la primera vez que clavé un punzón y a mi propia madre. Aparece Chiaki. Nadie, nadie, nadie espera que Chiaki pase de solución a problema y acabe en solución final en el desenlace (el gran error por la forma). Se elabora en torno a una prostituta cualquiera un meticuloso plan de catarsis entre tendones de Aquiles, sangre, súplicas y blancura de piel. Pero Chiaki es más que la suma de todo ello. Es la otra cara de la moneda y, por ende, alma gemela, psicosocialmente hablando, del planificador.

El punto de no retorno y de desaliento para el lector: Masayuki falla en su plan, por mérito de la complejidad del personaje de Chiaki, llanamente. Puede fallar, no pasa nada, pero no puede convertirse en un mero secundario sobre el que proyectar la victoria vital de Chiaki excusada en la propia del personaje teóricamente principal. Es un giro digno de aplauso si acaba de otra manera: la paz que encuentran ambos a través del otro una vez pasada la tormenta interna de cada uno es amor puro. ¡Y no debe ser puro amor!

Ya no hay voces; ¿y ahora, qué hacemos?: la historia acaba en marcha, con una escena propia de pareja entre M y Ch. Es un final feliz. ¿Pero qué pasa con Yoko?, ¿ocultar una aventura con una prostituta como consecuencia de ocultar una intención psicópata es aceptable? Esto no es una campaña pro-Yoko, solo una llamada de atención sobre la mala elección de resolución de conflictos por parte de Murakami: no todo vale para salvar a Masayuki, ni siquiera para salvar a la niña. ¿Vivirá con ello de forma natural o se sentirá culpable y al confesarlo Yoko le dará una palmadita en la espalda antes de irse impasible a hacer más pan en el horno? El error es el engaño del personaje en su progresiva construcción: Masayuki no es un psicópata, tiene todas las papeletas para serlo y el lector pide que lo sea llegado a ese punto en el que parece que al autor le da miedo y da marcha atrás apoyado en la voracidad del personaje de Chiaki.

El área descriptiva de la obra es suficiente, ni buena, ni mala, ni rebosa calidad, ni fracasa. Es el motor de la historia el que se gripa queriendo ser ¿socialmente correcto? Sin serlo, más bien: Yoko y la niña en casa mientras Masayuki -cobarde o egoísta respecto de su futura vuelta a la rutina- contempla cómo Chiaki se hace un piercing en el otro pezón. Faltó el cigarro de después…

6’5 sobre 10.

PERVIVENCIA

Tú no las puedes ver;
yo, sí.
Claras, redondas, tibias.
Despacio
se van a su destino;
despacio, por marcharse
más tarde de tu carne.
Se van a nada; son
eso no más, su curso.
y una huella, a lo largo,
que se borra en seguida.
¿Astros?

no las puedes besar.
Las beso yo por ti.
Saben; tienen sabor
a los zumos del mundo.
¡Qué gusto negro y denso
a tierra, a sol, a mar!
Se quedan un momento
en el beso, indecisas
entre tu carne fría
y mis labios; por fin
las arranco. Y no sé
si es que eran para mí.
Porque yo no sé nada.
¿Son estrellas, son signos,
son condenas o auroras?
Ni en mirar ni en besar
aprendí lo que eran.
Lo que quieren se queda
allá atrás, todo incógnito.
y su nombre también.
(Si las llamara lágrimas,
nadie me entendería.)

A ti solo se llega por ti.

A Pedro Salinas.

Tú no lo puedes tocar;

yo tampoco.

Evanescente, húmedo, tenue.

Lentamente

vuelve a comenzar donde termina,

luchando por quedarse tejido

entre mis labios y los tuyos;

batalla silenciosa en la que

vence quien claudica primero;

y siempre somos los dos,

Simultánea

Suave

Fortuita

-mente.

Yo no lo puedo tocar;

lo muerdes tú por mí.

Estorba el

Pecho,

sobran las manos, pero

falta el tacto de las

yemas

de mil dedos.

Sabe; tiene sabor

a las palabras que nunca

nos hemos dicho,

a las formuladas

justo antes de empezar

a desaparecer en ti,

a andar por ti;

pues eres el único camino físico

para alcanzarte.

La ceguera busca guía

en el aliento.

Las ansias de destrucción se mezclan

con las de fusión,

los labios con los dientes,

las manos con los deseos.

Y somos un solo cuerpo retorciéndose

por la incapacidad de separar las dos almas

que lo habitan.

El todo y la nada:

si la eternidad se hubiera encogido en ese instante

ninguno se hubiese percatado. No ha ocurrido.

Lo que busca se queda

allá atrás, todo incógnito.

Y su nombre también.

(Si lo llamara beso

nadie me entendería).

Laura García Romalva

MARINERA

 Si mi voz muriera en tierra
llevadla al nivel del mar
y dejadla en la ribera.

  Llevadla al nivel del mar
y nombradla capitana
de un blanco bajel de guerra.

Rafael Alberti 

Me gusta

el rumbo que toman tus besos,

mis versos.

Mi velero de poesía a la deriva,

directo a encallar

en tu brisa destructora.

Ondea tu pelo,

que es mi bandera,

al son de los vientos del sur.

He viajado a la playa escuchando tu voz.

Cántame al oído

 canciones que hablen del mar.

Me pierdo fácil…

pero tus ojos son faros

al borde del acantilado.

 Y qué bonito es el mar

visto desde esos ojos balcón.

Voy a coger el timón de tu cintura

y lo voy a llevar a buen puerto.

Que es mar revuelto tu mirada.

Aunque Madrid no tiene playa,

tú traes arena en los zapatos.

La Gran Vía se viste de sirena

 cuando te ve aparecer a ti

 con toda tu playa.

Eres lo más cercano al mar,

y tienes los andares más marineros

 de todo Madrid.

Que yo cuando me pierdo

 nunca busco el norte,

busco el Sur.

SIN TÍTULO

Podríamos haber sido
puro invierno desenfrenado.
Un copo de nieve en una postal de mar.
Un abrazo en mitad de la tempestad.
Un guiño de ojos a centímetros.

Podríamos haber construido
un invento para volar.
Podríamos haber escrito

mil historias con final feliz.

Podría haberte hecho canción o poema
y decirle a Madrid que ya no es musa.

Pero para todo esto hizo falta
un “no te vayas, quédate”.

Y ahora que no eres ni canción ni poema,
que no hay inviernos ni finales felices.

Ahora que no echo de menos

 aquel acento que sonaba a lejano

estando tan cerca.

Ahora que me vuelve a calentar el café las manos

y escribo sin mirar de reojo si vienes.

Ahora, ya no vengas.

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